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Shokunin.com Français, Kyoto-shi (2026)

13/05/2026

[Changement de prix]

Dû à la hausse des prix des matières premières, le prix de quelques-uns de nos articles va augmenter en 2026/5/30-2026/7/1. Veuillez commander avant cette date.

fresco
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FUTAGAMI
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Nousaku
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SIWA
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Kuwana Imono
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10/05/2026

[Le lien entre le design nordique et le Mingei]

En visitant la Maison Aalto en Finlande, j'ai remarqué des éléments du Japon — tels que des sudare (cloisons en bambou) et des portes coulissantes — tissés dans tout l'espace. Depuis lors, j'ai souvent réfléchi à la relation entre l'artisanat japonais et nordique.

La Maison Aalto était la résidence de l'architecte finlandais de renommée mondiale Alvar Aalto. Bien qu'il ne se soit jamais rendu au Japon, il se serait inspiré de manière significative de ce pays. Lorsque je vivais au Danemark, j'ai été surpris de réaliser à quel point le Japon et les pays nordiques sont attirés par les cultures et les designs de chacun. La beauté simple et minimaliste qui dépouille les ornements inutiles et les designs qui mettent en valeur l'essence des matériaux naturels — ce sentiment particulier de « correspondre parfaitement » en regardant les objets japonais et nordiques provient probablement de cette esthétique partagée. Ces dernières années, un nouveau style d'intérieur appelé « Japandi » — un mot-valise de « Japanese » et « Scandinavian » — a émergé en Occident.

Les origines de ce que l'on appelle aujourd'hui le « design nordique » sont principalement apparues pendant l'ère Mid-Century, autour des années 1950. Des designers emblématiques tels qu'Alvar Aalto, Eero Saarinen, Arne Jacobsen, Hans J. Wegner et Kaj Franck ont produit un chef-d'œuvre après l'autre. Grâce à des expositions comme « Good Design » au MoMA de New York (1950-1955), qui présentait de « bons produits de style de vie », et « Design in Scandinavia », qui a fait le tour des villes américaines pendant quatre ans à partir de 1954, le design nordique est devenu un phénomène mondial via les États-Unis. Ces chefs-d'œuvre ont été aimés au-delà des frontières, formant la base du design nordique qui se poursuit aujourd'hui.

En examinant l'histoire du design nordique Mid-Century et du mouvement japonais Mingei (art populaire), on trouve de nombreux liens. Gregor Paulsson, président de la Société suédoise de l'artisanat et du design, a publié « Des objets plus beaux pour la vie quotidienne » (Vackrare vardagsvara) en 1919. Dans cet ouvrage, Paulsson expliquait comment le design des objets quotidiens pouvait améliorer la vie, préconisant que les artistes collaborent directement avec les usines pour fournir des articles quotidiens de haute qualité à toutes les classes sociales. C'était environ sept ans avant que Soetsu Yanagi ne forge le terme « Mingei » en 1925 et ne propose le « Yo-no-Bi » (la beauté de l'utilité) à travers le mouvement Mingei.

Presque simultanément, des mouvements visant à réévaluer l'artisanat traditionnel et à repenser la beauté des objets quotidiens ont vu le jour au Japon et dans les pays nordiques. Alors que Soetsu Yanagi mettait en lumière des produits ordinaires autrefois rejetés comme « getemono » (articles de basse qualité) pour protéger les traditions de travail manuel en voie de disparition, Paulsson visait à démocratiser de beaux objets quotidiens grâce au pouvoir des usines. Bien que le design nordique et le Mingei partagent une conviction commune dans la « beauté de la vie » et la « beauté de l'utilité », leurs approches différaient fondamentalement — l'anonymat contre la signature, et le travail manuel contre la production de masse.

En fait, Soetsu Yanagi et Shoji Hamada se sont rendus en Suède pour la première fois en 1929. Leurs visites à Skansen, le premier musée en plein air au monde, et au Musée nordique (Nordiska Museet) ont influencé de manière significative la fondation du Musée de l'artisanat folklorique japonais. Dans le prospectus du musée, Yanagi déclarait : « Affinons d'abord les objets en qualité plutôt que de les perfectionner en quantité. » Inspiré par le modèle suédois de présentation de l'artisanat par des démonstrations, he a décidé en Suède de constituer une collection guidée par son propre œil esthétique unique. De plus, Wilhelm Kåge et Stig Lindberg — designers représentant la célèbre poterie suédoise Gustavsberg — et Kaj Franck de la société finlandaise Arabia ont visité le Japon dans les années 1950. Ils ont apporté l'esprit du design nordique au Japon tout en introduisant l'artisanat japonais dans leurs pays d'origine.

Sori Yanagi, l'un des principaux designers de produits du modernisme japonais et le fils de Soetsu Yanagi, est connu pour avoir créé de nombreux articles à succès durable qui équilibrent design et utilité. En donnant forme au « Yo-no-Bi » par la production de masse — une approche partagée avec le design nordique — Sori Yanagi a réussi à proposer des objets quotidiens beaux et de haute qualité à un public plus large. L'esthétique et les attitudes envers l'artisanat nées dans les terres distinctes du Japon et de la région nordique, ainsi que les voies tracées par leurs prédécesseurs, continueront sans aucun doute à créer des produits intemporels qui enrichissent la vie des gens dans le monde entier.

Informations sur le showroom
https://www.shokunin.com/fr/showroom/
Musée commémoratif Shoji Hamada Mashiko Sankokan
https://maps.app.goo.gl/7j8uiPaHbXW2Qret8
Kogensha Sendai
https://maps.app.goo.gl/J1szbMYqEFuAasZs6

Références
Chiharu Watabe, « Le concept du design nordique », Seibundo Shinkosha (2022)
https://www.alexcious.com/fr/campaign/japanesemodern
https://tacksamycket.jp/blogs/nordic-guide/nordic-tableware-utility-beauty-yanagi-soetsu

09/05/2026

[Choisir les bons ustensiles pour apprécier le thé japonais]

Nous sommes entrés dans la saison de la verdure éclatante. Chaque année, vers le 2 mai, le 88e jour après le premier jour du printemps — connu sous le nom de « Hachiju-hachiya » (la 88e nuit) — marque la transition du printemps à l'été. Le shincha (thé nouveau) récolté pendant cette période est chéri comme un porte-bonheur pour la santé et la longévité. Bien que je m'appuie souvent sur la commodité des sachets de thé pour ma tasse quotidienne, le désir de savourer consciemment les bienfaits de la saison m'a amenée à regarder de plus près les ustensiles de thé, pour être surprise par la profonde variété disponible.

Les noms sont divers : yunomi, kumidashi, senchawan et gyokuro-chawan. En tant que personne peu habituée à infuser du thé dans un kyusu (théière) quotidiennement, je ne comprenais pas clairement les différences et je me demandais lequel choisir si je ne devais en accueillir qu'un seul type chez moi. Étonnamment, les sobachoko (coupes pour la sauce soba) sont également de sérieux candidats. Chaque pièce varie par son matériau, sa forme, son épaisseur et la manière dont elle libère l'arôme ou se sent contre les lèvres. Ces caractéristiques distinctes semblent influencer le goût même du thé, et choisir un récipient qui correspond à la saison ou à l'esprit d'hospitalité semble rendre l'expérience encore plus délicieuse.

Le yunomi est le type d'ustensile le plus familier. Ils sont souvent cylindriques et conçus pour un usage quotidien facile. Dimensionnés pour être tenus d'une seule main, ils transmettent une chaleur réconfortante et s'intègrent naturellement aux repas ou aux collations quotidiennes. Ils sont bien adaptés au bancha ou au hojicha.

Le kumidashi a généralement une bouche large et un profil plus bas. Souvent utilisé avec une soucoupe (chataku) lors de l'accueil d'invités, sa forme permet à l'arôme de se diffuser et à la vapeur montante d'être vue, créant une atmosphère relaxante.

Les senchawan sont petits et à parois minces. Ils sont idéaux pour savourer un sencha de haute qualité infusé à basse température. Les récipients en porcelaine blanche ou finis avec des glaçures pâles accentuent la couleur du thé, permettant également un plaisir visuel.

Les gyokuro-chawan sont des récipients spécialisés pour apprécier lentement l'umami et l'arôme du gyokuro. Ils sont remarquablement petits, minces et délicats. Ils facilitent un moment luxueux où l'on peut percevoir le parfum doux et la sucrosité qui se répand sur le palais.

Enfin, bien que les sobachoko aient été conçus à l'origine pour la sauce, leur forme et leur taille exquises — avec une large ouverture et un corps bien proportionné — les rendent incroyablement polyvalents. Ils servent parfaitement de récipients à thé et conviennent même au café, tout comme un mug.

Sous le joyeux soleil du début de l'été, un récipient léger qui tient confortablement dans la main semble parfait. Des objets simples mais de caractère rehaussent le parfum rafraîchissant du thé vert et s'harmonisent magnifiquement avec le hojicha ou le bancha. Après mûre réflexion, la seule chose que j'ai décidée était de vouloir apprécier la couleur du thé parallèlement au changement des saisons.

La texture lisse de l'œuvre de Seiryugama présente une glaçure blanche nommée « Zansetsu » (Lingering Snow), qui exprime une montagne pendant la fonte des neiges printanière et est synonyme du four. Tout en conservant une sensation naturelle et douce, ce récipient permet au vert frais et vif du thé de se détacher magnifiquement sur le fond blanc doux. Chaque fois que je verse une tasse, je ressens la présence rafraîchissante du début de l'été, promettant un moment vraiment enrichissant.

Yunomi (tasse à thé) de Seiryugama
https://www.shokunin.com/fr/seiryu/yunomi.html
Kumidashi de Seiryugama
https://www.shokunin.com/fr/seiryu/kumidashi.html
Senchawan (tasse à sencha) de Seiryugama
https://www.shokunin.com/fr/seiryu/sencha.html
Sobachoko de Seiryugama
https://www.shokunin.com/fr/seiryu/soba.html

Références
https://www.nihonwasyokutakubunka.com/column/2942
https://www.e-cha.co.jp/contents/yunomi-erabikata/
https://nihoncha-salon.com/senchadou/what-is-senchawan/

08/05/2026

[Un nouveau paysage s'ouvrant sur le port d'Otaru]

Le canal d'Otaru est le paysage emblématique de la ville d'Otaru, à Hokkaido, mais la proximité du port avec la ville est également un paysage propre à Otaru. Le port se trouve juste à côté de la ville. La douce avenue Chuo-dori, qui part de la gare d'Otaru, mène directement au quai n° 3. Ce lieu, où l'on peut facilement s'arrêter tout en profitant du tourisme en ville, accueille chaque été l'« Otaru Ushio Matsuri », la plus grande fête de la ville, et est très familier des habitants. J'y vais aussi de temps en temps pour contempler la mer.

Le réaménagement de cette zone a commencé en 2014, avec l'aménagement des quais et des terminaux. Depuis 2024, le port a commencé à accueillir de grands navires de croisière de la classe des 140 000 tonnes, avec 33 escales enregistrées l'année dernière. Les jours où ces grands navires sont à quai, le paysage du quai semble encore plus dynamique.

L'autre jour, j'ai visité le nouvel espace vert « Otaru Port Square ». Le parc est un espace ouvert où l'on ressent la mer à proximité, et avec de nombreuses personnes se détendant sur les bancs, il semble destiné à devenir un nouveau lieu de repos en bord de mer. En regardant mes pieds, j'ai remarqué une différence de couleur dans les pavés. Ce design marque l'ancien emplacement du « Chuo Sanbashi » (quai central), autrefois très fréquenté. Comparé aux quais actuels, ce quai qui a connu son apogée entre l'ère Meiji et l'ère Taisho semblait bien petit.

Vers 1923, lors de l'achèvement du canal d'Otaru, les passagers passaient des grands navires ancrés au large à de petits bateaux appelés « hashike » (barges) pour débarquer sur ce quai. On raconte qu'à son apogée, jusqu'à 600 barges s'y croisaient, rendant le port extrêmement animé. Finalement, avec l'aménagement des quais modernes, le quai central a terminé son rôle et a disparu, mais en se tenant ici, on imagine sans peine le nombre de personnes qui ont débarqué sur cette terre le cœur plein d'espoir.

Au-delà de la place se dresse un terminal de bateaux touristiques au design moderne. La forme du toit, qui s'étire vers le ciel, symboliserait l'expansion future de la ville d'Otaru. En superposant un design tourné vers l'avenir sur un lieu chargé d'histoire, l'espace lui-même devient une expression continue. Cela m'a fait réaliser une fois de plus la puissance et la fascination du design.

De là, il est également possible de prendre un bateau touristique pour découvrir le parc quasi national de Niseko-Shakotan-Otaru Kaigan. En contemplant la mer scintillante, on sent son cœur s'apaiser naturellement. Dans notre société moderne saturée d'informations, il est important de savoir s'arrêter de temps en temps pour prendre le temps de contempler le paysage.

L'Otaru Port Square se trouve à seulement quelques minutes à pied de notre showroom d'Otaru, le long du canal. Lors de votre visite, n'hésitez pas à prolonger votre promenade jusqu'ici.

Showroom d'Otaru
https://www.shokunin.com/fr/showroom/otaru.html
Otaru Port Square
https://maps.app.goo.gl/tFXQqAztDBw5Tj9u5

Référence
https://www.kanchi.or.jp/minato/vol/pdf/150/150_07.pdf

04/05/2026

[Kudan House]

Kudansh*ta, où se trouvent le Nippon Budokan et le sanctuaire Yasukuni, est un quartier recommandé pour une promenade tranquille, car il n'est pas aussi bondé qu'on pourrait s'y attendre malgré ses nombreux lieux célèbres. Kagurazaka est accessible à pied en prolongeant un peu votre marche, et Jinbocho, la ville du curry et des librairies d'occasion, est également toute proche. Saviez-vous que dans un coin de Kudansh*ta se dresse un manoir historique de style occidental appelé « Kudan House » ? Ancienne résidence de l'homme d'affaires Mankichi Yamaguchi, ce manoir a été construit en 1927 dans un style d'influence espagnole par les architectes et concepteurs les plus en vue de l'époque.

La famille Yamaguchi était une riche famille d'agriculteurs à Oguni, dans le district de Kariwa (aujourd'hui Ogunimachi, ville de Nagaoka, préfecture de Niigata), et servait de chefs de village (Oshoya) gérant la région. Depuis l'ère Meiji, ils ont fondé de nombreuses entreprises dans le pétrole, les chemins de fer, la finance et l'électricité, contribuant de manière significative au développement de la préfecture de Niigata. Le propriétaire de l'« Ancienne résidence Mankichi Yamaguchi », Mankichi de la cinquième génération, est né en 1897. Après avoir vécu le séisme du Grand Kanto, il a été profondément impressionné par Tachu Naito, connu comme le « père de la construction parasismique », et a adopté la conception structurelle de Naito en béton armé de type mural. En conséquence, alors que de nombreux bâtiments en bois ont été détruits lors du grand raid aérien de Tokyo en 1945, Kudan House a échappé au désastre et reste presque exactement telle qu'elle était lors de sa construction.

Mankichi possédait également une excellente sensibilité artistique et était profondément attaché non seulement au bâtiment lui-même, mais aussi au mobilier et aux ferrures décoratives ; le coût des décorations aurait été presque égal au coût de construction du bâtiment. Nombre de ces décorations subsistent encore aujourd'hui à l'intérieur et à l'extérieur du bâtiment, mais pendant la guerre, elles ont été « évacuées » à Nagaoka pour éviter les raids aériens. Cependant, Nagaoka a également été soumise à des raids aériens, et divers drames ont eu lieu, comme la destruction par le feu des objets avec les wagons de marchandises ferroviaires pendant le transport. Après la fin de la guerre, comme beaucoup d'autres bâtiments de valeur, il a été réquisitionné par le GHQ. Après sa restitution, il est resté entre les mains de tiers pendant près de 20 ans avant d'être à nouveau utilisé comme résidence par la famille du fils de Mankichi Yamaguchi à partir de 1963. C'est un bâtiment miraculeux qui a survécu à 90 ans de périodes turbulentes sans être démoli, conservant sa forme presque originale malgré son emplacement au cœur de Chiyoda-ku, à Tokyo.

À l'intérieur de la résidence, la résistance aux séismes est remarquable, avec des murs atteignant une épaisseur de 8 sun (environ 24 cm). En plus de son apparence charmante avec ses arches et ses tuiles espagnoles, le manoir est une résidence ouverte où l'on peut ressentir les quatre saisons, avec de nombreux espaces semi-extérieurs tels qu'une pièce de style japonais pour les invités, un salon conçu comme une salle de danse, un porche grillagé face au jardin, une véranda au deuxième étage et un toit-terrasse au troisième étage. L'espace souterrain, où un technicien de chaudière vivait et travaillait, était également étonnamment spacieux.

Habituellement, il s'agit d'un bien culturel tangible enregistré du Japon qui est fermé au public, mais il peut être visité lors d'expositions et d'événements. Vous pourrez profiter d'un espace où fusionnent architecture historique, art, et une puissance et une sensibilité nouvelles, alors n'hésitez pas à y jeter un coup d'œil. Actuellement, « MARTIN MARGIELA AT KUDAN HOUSE » semble s'y tenir. Que diriez-vous de l'inclure dans votre itinéraire de promenade en cette agréable saison de mai ?

Kudan House (Résidence Mankichi Yamaguchi)
https://maps.app.goo.gl/WhnMSUwuLru3SGB27
Ginza Showroom
https://www.shokunin.com/fr/showroom/ginza.html

Références
https://kudan.house/
https://martinmargielaatkudanhouse.jp/

27/04/2026

[Les restaurants locaux et leur riz avec garnitures]

Dans les nombreux pays que j'ai visités, j'ai rencontré diverses formes de « riz avec garnitures » (bukkake-meshi), chacune unique à sa terre. Parfois, il s'agit d'une simple sauce au curry versée sur le riz ; d'autres fois, un plat copieux rempli de morceaux de viande et de légumes, semblable au happosai, est déposé sur le dessus. Il existe aussi des styles où l'on choisit ses accompagnements préférés sur un long comptoir pour les disposer petit à petit sur son assiette.

Les plus mémorables d'entre eux ont été les plats que j'ai mangés au Vanuatu et aux îles Salomon, dans le Pacifique Sud. Lorsque vous choisissez vos plats préférés parmi une longue file, on vous sert une portion généreuse de chacun directement sur votre riz. La cuisine chinoise fait partie de la vie quotidienne là-bas, et les saveurs semblaient quelque peu nostalgiques — un délice qui convient parfaitement au palais japonais. Je me souviens encore vivement de ce goût, dégusté à la cuillère en une seule fois.

Au coin d'une rue à Taïwan, où je suis arrivé t**d dans la nuit, j'ai trouvé un menu similaire. Une assiette de riz garnie de petites portions d'accompagnements colorés : du porc braisé sucré et salé, du tofu juteux imprégné de saveurs, et du poulet sauté aux haricots verts. À mon avis, le secret pour apprécier ce style de riz est de choisir au moins un plat avec beaucoup de sauce. À mesure que le liquide savoureux s'infiltre dans le riz, il crée un sentiment d'unité et un sentiment irrésistible de satisfaction. Je le recommande vivement à ceux qui veulent goûter un peu de tout ce qui est délicieux.

Désireux de recréer chez moi cette atmosphère de restaurant local, j'ai préparé un « Ragoût de maquereau et de pommes de terre à la tomate et aux épices cajuns » en utilisant les ingrédients que j'avais dans le réfrigérateur. L'arôme exotique des épices cajuns associé à l'acidité fraîche des tomates — en une seule bouchée, j'ai eu l'impression d'être dans un restaurant étranger, tout en étant assis dans ma maison à Kyoto.

Les nombreux styles de riz avec garnitures que j'ai goûtés dans divers pays semblent condenser la vie quotidienne des populations locales. Si jamais vous partez en voyage, je vous encourage à chercher la version locale de ce plat. Dans cette assiette sans prétention, vous êtes sûr de trouver de nouvelles découvertes et une saveur délicieuse qui restera gravée dans votre cœur.

Ragoût de maquereau et de pommes de terre à la tomate et aux épices cajuns

Ingrédients (Pour 2 personnes) :
1 boîte de maquereau (au naturel, jus compris)
1 pomme de terre
1 petit oignon
2 tomates moyennes (coupées en dés)
Coriandre, selon votre goût
1,5 cuillère à soupe d'épices cajuns
Une pincée d'autres épices (comme du cumin ou du garam masala, si désiré)
1 gousse d'ail et 1 morceau de gingembre (hachés)
Une pincée de sel
Huile d'olive, au besoin

Préparation :
1. Faites chauffer l'huile d'olive, l'ail haché et le gingembre dans une poêle. Ajoutez l'oignon émincé et la pomme de terre, coupés en petits morceaux. Faites sauter à feu moyen pendant quelques minutes jusqu'à ce que la surface de l'oignon et de la pomme de terre devienne légèrement translucide.
2. Ajoutez les épices cajuns et faites sauter à feu doux jusqu'à ce qu'elles soient parfumées. Si vous utilisez d'autres épices, ajoutez-les à cette étape.
3. Ajoutez les tomates et faites sauter jusqu'à ce qu'elles rendent leur jus. Ajoutez le maquereau avec son jus et laissez mijoter pendant 5 à 10 minutes jusqu'à ce que les pommes de terre soient tendres et que les saveurs se soient mélangées. Ajoutez une petite quantité d'eau si le mélange semble trop sec. Rectifiez l'assaisonnement avec du sel.
4. Servez le riz sur une assiette et versez le ragoût par-dessus. Garnissez avec beaucoup de coriandre hachée si vous le souhaitez.

Deep Plate de Ichiyougama
https://www.shokunin.com/fr/ichiyou/deep.html
Fish Pan de Rikucho Ogasawara
https://www.shokunin.com/fr/rikucho/fishpan.html
Ladle Spoon de Okubo House Mokkosha
https://www.shokunin.com/fr/oxubo/otama.html
Straw Pot Stand L de Honma Kazuo Shoten
https://www.shokunin.com/fr/honma/nabeshiki.html

25/04/2026

[À propos de Naoto Fukasawa]

La philosophie du design de Naoto Fukasawa, l'un des plus grands designers de produits japonais actifs sur la scène mondiale, est centrée sur le concept de « Without Thought » (sans pensée). Cette approche se concentre sur les actions et les habitudes que les gens accomplissent naturellement sans y réfléchir, en en extrayant la beauté et la commodité. Il s'agit de créer des objets qui s'intègrent si bien que leur présence est considérée comme allant de soi. Les designs qui se fondent dans l'arrière-plan de la vie quotidienne apportent un sentiment de confort sans que l'utilisateur n'en ait conscience. Les objets qui ne s'affirment pas ne sont pas influencés par les tendances et ne vieillissent pas, même si les époques changent.

Cette philosophie partage des points communs avec le mouvement Mingei (arts populaires) préconisé par Soetsu Yanagi. La « beauté de l'usage » (yo-no-bi) dont parlait Yanagi est l'idée que la vraie beauté réside dans les récipients et les outils fabriqués par des artisans anonymes pour un usage quotidien. Ces formes ne naissent pas de l'expression individuelle ou de l'affirmation de soi, mais du respect de la nature et de la tradition. Je pense que les créations de Fukasawa sont profondément liées à cette idée même.

Sa position n'est pas de créer quelque chose de « spécial », mais plutôt que « la forme est de l'autre côté ». Ici, « l'autre côté » fait référence aux personnes et à l'environnement (l'espace). C'est l'idée qu'un design n'existe pas en tant qu'objet autonome, mais qu'il naît de la relation entre les personnes et les choses. Au lieu d'imposer l'individualité d'un designer, il recueille les formes « ordinaires » qui se trouvent au plus profond de la mémoire des gens. Par exemple, le lecteur de CD mural de MUJI, qui fait partie de la collection du MoMA (The Museum of Modern Art, New York), a été inspiré par l'action quotidienne de tirer sur le cordon d'un ventilateur. En donnant forme à ce comportement naturel, il a créé un confort qui existe en dehors de la conscience.

Ce que Fukasawa appelle l'« archétype » du design est la forme ordinaire que tout le monde connaît. C'est une esthétique paradoxale : plus l'expression personnelle du créateur est dépouillée, plus la beauté et la fonction universelles apparaissent. En d'autres termes, je crois que Fukasawa réinterprète ce que le mouvement Mingei pratiquait dans le monde de l'artisanat sous la forme d'un design industriel moderne. De ce point de vue, je me sens nouvellement fasciné par les « nouvelles formes ordinaires » qui naîtront dans les temps à venir.

La série « SIWA » proposée par Shokunin.com est une collaboration entre Fukasawa et Onao, un fabricant de papier washi à Ichikawadaimon, dans la préfecture de Yamanashi. Fukasawa a découvert que le froissement du « Naoron » — un papier shoji résistant aux déchirures — crée une texture unique, élargissant les possibilités du papier en tant qu'objet quotidien. C'est véritablement un design qui se dissout dans la vie de tous les jours.

Book Cover de SIWA
https://www.shokunin.com/fr/siwa/bookcover.html
Box de SIWA
https://www.shokunin.com/fr/siwa/box.html

Références
https://naotofukasawa.com/about/
https://designcommittee.jp/member/fukasawa_naoto.html
https://www.axismag.jp/posts/2021/03/349572.html
https://www.hermanmiller.com/en_lac/stories/why-magazine/asari-chair-by-herman-miller-naoto-fukasawa/
https://www.2121designsight.jp/documents/column/cat598/

25/04/2026

[Lieux d'observation des cerisiers découverts à Yoichi]

Lorsque je me suis rendu à Yoichi l'année dernière pour voir les cerisiers en fleurs, j'ai réalisé que la ville est parsemée de lieux magnifiques que je n'avais jamais remarqués auparavant. Bien qu'ils n'aient pas l'éclat des grandes destinations touristiques, beaucoup de ces arbres sont profondément liés à l'histoire locale et à la vie quotidienne, créant des paysages vraiment mémorables.

Trois lieux m'ont laissé une impression particulièrement forte : l'ancienne pêcherie Fukuhara de Yoichi, les rangées de cerisiers le long de la rivière Yoichi derrière la distillerie Nikka Whisky, et le parc Maruyama.

L'ancienne pêcherie Fukuhara de Yoichi a été classée site historique national en 1982. Bien qu'elle ne compte pas un grand nombre d'arbres, c'est un lieu précieux où l'on peut admirer simultanément l'architecture historique de la pêcherie et les cerisiers en fleurs. Lors de ma visite, il n'y avait presque aucun autre touriste, et le temps semblait s'écouler tranquillement et calmement. Le contraste entre la présence digne des anciens bâtiments et les fleurs écloses avec douceur était magnifique, me donnant l'impression que le temps s'était arrêté. Par une matinée claire, la lumière entre doucement, faisant ressortir nettement les ombres des bâtiments et des fleurs—un endroit parfait pour ceux qui veulent contempler les fleurs à leur guise.

En revanche, les rangées de cerisiers le long de la rivière Yoichi, qui coule derrière la distillerie Nikka Whisky, offrent un spectacle impressionnant avec des fleurs bordant les deux rives le long de la promenade. C'est un endroit où l'on peut profiter du hanami en toute décontraction tout en se promenant sur le long sentier. Ici, les cerisiers en fleurs se fondent naturellement dans la vie quotidienne ; les habitants promènent leurs chiens ou se reposent sur des bancs. Parmi eux, j'ai vu des touristes étrangers venant de toute l'Asie photographier la rivière et les fleurs, ce qui m'a fait réaliser que les paysages printaniers de Yoichi sont aimés au-delà des frontières. Lorsque le vent souffle, les pétales dansent sur la surface de l'eau, permettant de ressentir profondément la nature éphémère du court printemps de Hokkaido.

Le parc Maruyama est un parc ouvert situé sur une colline surplombant la ville et la mer. Plusieurs cerisiers sont plantés dans l'enceinte du parc et, lorsqu'ils sont en pleine floraison, tout le parc s'enveloppe d'une douce teinte printanière. Bien qu'il faille monter un peu la pente, la vue de Yoichi à travers les cerisiers est exceptionnelle. J'ai été frappé par la vue de familles étendant des tapis de pique-nique et de personnes prenant des photos, chacun passant son temps à sa manière. Ici aussi, j'ai vu des touristes internationaux apprécier les fleurs et la vue dans une atmosphère paisible, rendant le paysage encore plus riche.

Les cerisiers en fleurs de Yoichi ne cherchent pas à attirer l'attention ; ils fleurissent plutôt comme s'ils se nichaient doucement contre l'histoire de la terre et la vie de ses habitants. Cette année, la floraison est attendue plus tôt que d'habitude. Même au milieu de journées bien remplies, si vous vous surprenez à aspirer à une touche de printemps, peut-être vous souviendrez-vous des paysages de Yoichi, où l'on peut contempler les cerisiers en toute tranquillité.

Ancienne pêcherie Fukuhara de Yoichi
https://www.town.yoichi.hokkaido.jp/machi/syoukai/fukuharagyoba.html
Cerisiers de la rivière Yoichi
https://yoichi-kankoukyoukai.com/kankouspot/余市川桜並木/
Parc Maruyama
https://www.town.yoichi.hokkaido.jp/kurashi/kurashinojouhou/douro/maruyama.html
Showroom d'Otaru
https://www.shokunin.com/fr/showroom/otaru.html

22/04/2026

[Visite des azalées Kirishima du sanctuaire Nagaoka Tenmangu]

Le sanctuaire Nagaoka Tenmangu est situé à Nagaokakyo, Kyoto. On raconte qu'à l'époque de Heian, Sugawara no Michizane y appréciait la poésie et la musique en compagnie d'Ariwara no Narihira, un poète de renom.

En visitant le sanctuaire à la mi-avril, on est immédiatement frappé par la pleine floraison des azalées. Les fleurs d'un rouge profond, semblables à un couloir écarlate, accueillent les visiteurs. De chaque côté du rempart central se dressent des « azalées Kirishima » dépassant 2.5 mètres de haut. Ces arbres anciens, vieux de plus de 170 ans, se teintent simultanément d'un rouge flamboyant, offrant un spectacle d'une puissance à couper le souffle.

Ces azalées Kirishima sont arrivées à Kyoto depuis Satsuma, via Osaka, au début de l'époque d'Edo. Les jeunes plants, multipliés par la technique du « marcottage », ont également été plantés dans des lieux liés à la famille impériale, tels que le Jardin national Kyoto Gyoen et la Villa impériale de Katsura, dont ils ornent encore aujourd'hui les jardins.

À l'origine, le sanctuaire Nagaoka Tenmangu est devenu célèbre grâce à sa mention dans le guide de l'époque d'Edo, « Miyako Meisho Zue ». Bien qu'à l'époque les azalées n'aient pas encore été plantées, la beauté des pinèdes et des érables a captivé le cœur des gens, faisant du site un lieu de promenade très apprécié en plus de sa dimension spirituelle.

Malgré les années qui passent, ces azalées éclatantes annoncent toujours l'arrivée du printemps. Depuis notre Showroom de Sanjo, le sanctuaire Nagaoka Tenmangu est accessible en environ 40 minutes par les transports en commun. Le trajet le plus simple se fait via le chemin de fer Hankyu : marchez depuis le showroom jusqu'à la « gare de Kyoto-Kawaramachi » toute proche, puis prenez un train express ou semi-express de la ligne Hankyu Kyoto pendant 15 à 20 minutes jusqu'à la « gare de Nagaoka-Tenjin ». De là, l'enceinte du sanctuaire et ses azalées Kirishima se trouvent à seulement 10 minutes à pied.

Les azalées de Nagaoka Tenmangu sont actuellement à leur apogée. Pourquoi ne pas prolonger votre balade pour admirer ce paysage éphémère offert par la saison ?

Nagaoka Tenmangu
https://nagaokatenmangu.or.jp/
Showroom de Sanjo de Shokunin.com
https://www.shokunin.com/fr/showroom/sanjo.html

Références
https://sense-nagaokakyo.city.nagaokakyo.lg.jp/posts/52756189/
https://www.city.nagaokakyo.lg.jp/0000001269.html

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