Tatjana Kpunkt

02/11/2026

01/11/2026

01/11/2026

Slipping through my fingers (2025 - 2026)
Acryl und Öl auf Leinwand
70 x 140 cm

31/10/2026

Haut, Textur und Selbstwahrnehmung.

In diesem Selbstporträt aus der Subtextserie rückt die eigene Haut mit all ihren Spuren in den Mittelpunkt: Aknenarben, Pickel, Rötungen und Unebenheiten werden zu einem prägenden Teil der Bildsprache.
Dieses Querformat von 70 × 100 cm wird von einem vollständig schwarzen Hintergrund umschlossen, dessen Oberfläche sich erst bei genauer Betrachtung erschließt. Unterschiedlich tiefe Einkerbungen, variierende Schichtstärken sowie matte und glänzende schwarze Partien erzeugen ein komplexes Spiel aus Materialität und Licht. Darin lassen sich Schriftzüge erahnen, deren Zeichen und Bedeutung jedoch im Dunkeln bleiben. Auch Haare und Kleidung verschmelzen beinahe mit dieser dunklen Bildfläche, sodass die Grenzen zwischen Körper und Hintergrund zunehmend verschwimmen. Der schwarze Hintergrund wird so zu einem Gegenpol und zugleich zum Spiegel der Haut. Dabei stellt sich die Frage nach der tatsächlichen Präsenz dieser vermeintlichen Makel: Während sie in der eigenen Wahrnehmung oft übermäßig viel Raum einnehmen und den Blick auf das eigene Erscheinungsbild prägen, bleiben sie für Außenstehende häufig zunächst verborgen und werden erst bei genauerem Hinsehen sichtbar.

Mich interessiert in dieser Arbeit besonders das Spannungsfeld zwischen gesellschaftlichen Schönheitsidealen und dem eigenen Blick auf den Körper, zwischen Verletzlichkeit und Selbstbewusstsein.

o.T. (2025 -2026)
70 x 100 cm Leinwandmaß
gerahmt in schwarzer Schattenfuge

Weitere Infos gerne per Direktnachricht oder unter Tatjanakpunkt.de

26/10/2026

Swipe for a glimpse of the reference photo that started it all.

Created as a preliminary study for the self-portraits in my „Subtext“ series, this self-staging was, in hindsight, the starting point for what would later develop into studies and the larger work titled „Rückgrat“.

The setting is my studio: perhaps my most intimate space, yet also the one most exposed to public view. At first glance, the image invites an impression of nakedness and vulnerability. There’s almost something voyeuristic about looking at it, as though we’ve stumbled upon a moment we weren’t meant to witness. A closer look reveals another layer: the tension in the muscles of the back, the alert posture, the wary, sceptical glance over the shoulder. The gaze resists a clear interpretation. Is the figure being watched, or is she watching us? Who, ultimately, is observing whom?

The entire process, from shooting the reference images to finding the perfect vintage frame, has been as exhilarating as it has been revelatory. Throughout, I’ve had to resist the urge to keep adding detail, to render every square centimetre into oblivion. Learning when to stop, what to leave unresolved and how much to let the work speak for itself has become an integral part of the process.

Looking back, I’m fascinated by how much of the „Subtext“ series was already present in this early work: the tension between exposure and control.. vulnerability and defiance, but maybe most of all: looking and being looked at.

What do you see when you look at this piece? And who do you think is watching whom? I’d love to hear your interpretations in the comments.

Acrylic on wood panel
Vintage frame
Dimensions (including frame): 54.4 × 44 cm

Dm for details on this piece

26/10/2026

Die „Subtext“ Serie begann 2023 mit der Planung des Werks „Augenhöhe“, einem lebensgroßen Porträt meiner Tochter, das die Beziehung zwischen Mutter und Kind, Autorität und Gleichberechtigung, Realität und Fantasie sichtbar machte. Inzwischen entwickelte sich „Augenhöhe“ zu einem Triptychon weiter und erzählt nun die Geschichte einer Tochter, ihrer Mutter und der täglichen Herausforderung des Loslassens, welche 2025 grausame Realität werden sollte.

Aus diesem Ursprung erwuchs weiterhin eine Reihe von (Selbst-)Porträts, die das Spannungsfeld zwischen äußerer Erscheinung und innerer Stimme erforschen.

Die Porträts treten aus einem tiefschwarzen Hintergrund hervor. Erst auf den zweiten Blick zeigen sich dort häufig kaum erkennbare Einschreibungen: Skizzen, Fragmente, Notizen, Gedanken, Spuren, die in die Schwärze hinein gekritzelt und häufig wieder ausgelöscht oder übermalt werden. Diese visuelle Strategie macht das Unsichtbare erfahrbar. Was zunächst verborgen bleibt, wird bei genauem Hinsehen sichtbar: das Unausgesprochene, das Verdrängte, das Unbewusste. Die Skizzen und Einkerbungen in den unterschiedlich dick und glänzend aufgetragenen Schwarztönen im Hintergrund werden häufig erst bei der Interaktion mit den Bildern durch Umschreiten, Hinknien oder im Tagesverlauf durch unterschiedlichen Lichteinfall sichtbar.

„Subtext“ ist ein Projekt über das, was Menschen begleitet, aber selten ausgesprochen wird. Im Porträt meiner Tochter sind es die kindlichen Zeichnungen, die sich spielerisch in den Hintergrund einschreiben und eine zweite Bedeutungsebene eröffnen. In den Selbstporträts sind es meine eigenen Gedanken und Fragmente, die ein meine Suche nach Identität und Selbstverständnis sichtbar machen.

Die Serie verbindet intime Nähe mit existenzieller Distanz. Sie fragt: Was liegt hinter dem Bild, was bleibt zwischen den Zeilen? Subtext lädt ein, genau hinzusehen und die Spuren, die auf den ersten Blick unsichtbar bleiben, als gleichwertigen Teil des Bildes zu begreifen.

23/10/2026

In this sense, this and other self-portraits function both as an expression of self-acceptance and as a site of critical inquiry. It raises the possibility of depicting seemingly opposing positions: vulnerability and assertion, self-love and self-questioning, personal experience and the limits of self-knowledge. Rather than resolving these tensions into definitive answers, I seek to develop a dialectical process in which questions generate further questions, allowing contradictions to remain productive. The work does not claim to reveal an ultimate truth about the self or the human condition. But instead, it invites a continuous negotiation of what it means to exist, to perceive oneself and to become human.

23/10/2026

In my paintings I always try to critically examine the question of the essence of being human. Part of it lies in grappling with the tensions between community and solitude. And even though it fits in thematically and chromatically, this piece feels very different to the others. I rarely allow myself to leave loose brushstrokes to stay so visible in my work, but here they felt true to the painting.

Untitled (2025)
Acrylic on canvas
70 x 100cm